أخبار

مشغل الموسيقى المحمول في تسعينيات القرن التاسع عشر؟

مشغل الموسيقى المحمول في تسعينيات القرن التاسع عشر؟

بالاطلاع على هذا المعرض من الصور الصريحة من تسعينيات القرن التاسع عشر في أوسلو ، النرويج ، بواسطة كارل ستورمر (1872-1957) ، وجدت مرة أخرى مثل هذه الصورة المثيرة للفضول ، ومع ذلك لم أتمكن من التحقق من وجود أي مشغل موسيقى محمول في ذلك الوقت.

وفقًا لويكيبيديا ،

على مدى عدة سنوات بدءًا من عام 1894 ، بنى المخترع الإيطالي جوجليلمو ماركوني أول نظام إبراق لاسلكي ناجح تجاريًا يعتمد على الموجات الهرتزية المحمولة جواً (الإرسال اللاسلكي).

يبدو هذا الجهاز صغيرًا للغاية ، على الرغم من ذلك ؛ هل يمكن أن تكون فرشاة؟ هل كان تمشيط شعرك في الأماكن العامة بدون مرآة شائعًا حينها؟

هل هذه الأشياء من فيلم عام 1928 السيرك بواسطة تشارلي شابلن و 1938 مصنع دوبونت ماساتشوستس لقطات من نفس النوع من الجهاز؟

تمكنت فقط من العثور على آخرين لديهم نفس السؤال: ما هذه الأشياء؟


وفق المحيط الأطلسي هم انهم مساعدات للسمع، الحاصلة على براءة اختراع في عام 1924. فهل كانت النرويج متقدمة على عصرها في مجال التكنولوجيا ، أم متأخرة في الموضة؟ لا؛ من المرجح أن تصور صورة تسعينيات القرن التاسع عشر a بوق الأذن:


صندوق الموسيقى

سيراجع محررونا ما قدمته ويحددون ما إذا كان ينبغي مراجعة المقالة أم لا.

صندوق الموسيقى، وتسمى أيضا مربع الموسيقية، آلة موسيقية ميكانيكية تصدر عند ضبط شوكات معدنية أو أسنان مثبتة في خط على مشط مسطح بحيث تهتز من خلال ملامسة أسطوانة دوارة أو قرص يتم تشغيله بواسطة آلية عمل الساعة. أثناء دوران الأسطوانة أو القرص ، تقوم المسامير الصغيرة أو النتوءات الأخرى المثبتة على سطحها بنزع الأطراف المدببة للأسنان المعدنية ، مما يتسبب في اهتزازها وإصدار نغمات موسيقية. يتم تحديد تسلسل الملاحظات الناتجة عن طريق ترتيب الإسقاطات على الأسطوانة. كلما قُطعت الأسنان بشكل أعمق في المشط أو اللوح المسطح ، انخفضت طبقة الصوت عند نتفها. يقوم زنبرك الساعة وساعة الساعة بتحريك الأسطوانة ، ويحكم منظم الذبابة المعدل. كان صندوق الموسيقى أداة منزلية شهيرة من حوالي عام 1810 حتى أوائل القرن العشرين ، عندما جعله عازف البيانو والفونوغراف قديمًا.

ربما تم اختراع صندوق الموسيقى حوالي عام 1770 في سويسرا. كانت صناديق الموسيقى الأولى صغيرة بما يكفي لتوضع في ساعة الجيب ، لكنها كانت تُبنى تدريجياً بأحجام أكبر وتوضع في صناديق خشبية مستطيلة الشكل. يحتوي صندوق الموسيقى الكبير النموذجي على مشط من 96 سنًا فولاذيًا تم انتزاعه بواسطة دبابيس على أسطوانة نحاسية بطول 13 بوصة (330 ملم) ، ويمكن تغيير الأسطوانة للسماح باختيارات موسيقية مختلفة. ومع ذلك ، فقد ثبت أن تغيير الأسطوانات وتخزينها أمر مرهق ، ولذلك تم استبدالها في تسعينيات القرن التاسع عشر بقرص معدني كبير القطر (شكل ودور إلى حد ما مثل سجل الفونوغراف) مع نتوءات أو فتحات على سطحه لنتف الأسنان. يمكن تغيير الأقراص التي يبلغ قطرها 2.5 قدمًا (75 سم) بسهولة ، وقد حلت صناديق الموسيقى على الأقراص محل نماذج الأسطوانات التي حظيت بشعبية بحلول عام 1900. ومع ذلك ، بحلول عام 1910 ، تم استبدال صناديق الموسيقى إلى حد كبير بالفونوغراف. صندوق الموسيقى هو واحد من عدة آلات موسيقية (الآلات التي تكون أجزاء صوتها عبارة عن مواد صلبة طنين) يتم نتفها بدلاً من اهتزازها بواسطة الإيقاع.

تمت مراجعة هذه المقالة وتحديثها مؤخرًا بواسطة Amy Tikkanen ، مدير التصحيحات.


تاريخ لاعب التسجيل

يبدأ تاريخ لاعبي الأسطوانات باختراعها والرجل الذي اخترع كل شيء على ما يبدو.

متى تم اختراع مشغل الأسطوانات؟

وفقًا لكتب التاريخ ، تم اختراع مشغل الأسطوانات في عام 1877. في الواقع ، كان فونوغرافًا ، وليس قرصًا دوارًا ، ولكنه يعتبر أول مشغل أسطوانات. في عام 1887 تم اختراع الجراموفون ، والذي أصبح أساس مشغل الأسطوانات الحديث.

من اخترع أول مشغل قياسي؟

اخترع توماس إديسون الفونوغراف في عام 1877. يقوم هذا الجهاز المبتكر بتشغيل الصوت وتسجيله باستخدام أسطوانة من الورق المقوى مغطاة بورق الألمنيوم للتشغيل.

في وقت لاحق ، أضاف ألكسندر جراهام بيل الشمع إلى التصميم ، والذي سيسجل موجات من الصوت. أدى هذا التغيير في التصميم في وقت لاحق إلى الجرافوفون.

إميل برلينر وغراموفون

أطلق إميل برلينر على اختراعه اسم الجراموفون ، الذي حصل على براءة اختراعه عام 1887. يتكون هذا الاختراع من اللك والمطاط الصلب. في وقت لاحق ، سيتم تصنيعه من الفينيل.

تم اعتبار هذا الاختراع لاحقًا أساس مشغل الأسطوانات الذي نعرفه ونحبه. كان قادرًا على تفسير الأخاديد على الأقراص المسطحة بدلاً من الأسطوانة التي استخدمها إديسون. في هذه المرحلة ، أصبح تسجيل الفينيل ضروريًا.

تصميم محسّن

إن الإنجازات الرئيسية لإميل برلينر ، القرص الدوار ، كانت آلية وصُممت لتدوير السجل بمساعدة نظام أو حزام محرك مباشر. بينما يدور السجل ، تقرأ إبرة الأخاديد.

هذه الإبرة مخروطية الشكل وتتدلى من شريط معدني قابل للتمدد. وعادة ما تكون مصنوعة من مادة صلبة ، مثل الماس أو الياقوت.

يتم ضبط الإبرة في أحد طرفي عمود نقل الصوت الموجود على جانب القرص الدوار ، بالتوازي مع الفينيل. يتحرك الذراع عبر الفينيل حيث تتبع الإبرة الأخاديد.

تلتقط الإبرة الاهتزازات أثناء تحركها حول أخاديد الصوت وتنتقل هذه الاهتزازات عبر الشريط المعدني الموجود في نهاية الذراع وإلى أسلاك الخرطوشة في نهاية عمود نقل الصوت.

يحول الملف ، الموجود في مجال مغناطيسي ، الاهتزازات إلى إشارة كهربائية يتم نقلها بعد ذلك من الأسلاك إلى المضخم. تتحول هذه الإشارات في النهاية إلى صوت عبر مكبرات الصوت ، وتنتج الموسيقى. لمزيد من التفاصيل ، راجع مقالتي حول كيفية عمل لاعبي التسجيلات.

الإنتاج بكثافة الإنتاج بكميات ضخمة

في عام 1895 ، تم إنتاج أول لاعب قياسي بكميات كبيرة. كانت شائعة بشكل لا يصدق حتى ظهور الراديو.

في حين أن إدخال الراديو لم يجعل مشغل الأسطوانات عفا عليه الزمن تمامًا ، إلا أنه أزال الأضواء لعدة سنوات. في الثلاثينيات والأربعينيات من القرن الماضي ، بيعت الأقراص الدوارة جيدًا ، لكنها لم تصبح سائدة بالفعل إلا بعد عشرين عامًا تقريبًا.

صعود لاعب التسجيل

في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي ، عاد القرص الدوار إلى الخريطة مع إصدار أول طراز يوفر تشغيلًا ستريوًا. ضرب هذا النوع من صوت Hi-Fi المشهد وتسبب في قيام الآلاف من الأشخاص بشراء قرص دوار خاص بهم. حقق القرص الدوار التلقائي أيضًا نجاحًا كبيرًا في الستينيات.

مشهد الهيب هوب

في الثمانينيات والتسعينيات ، وجد منسقو موسيقى الهيب هوب طريقة جديدة لاستخدام الأقراص الدوارة من خلال توصيل أجهزة مزج الصوت واستخدام أيديهم لخدش الفينيل على القلم من أجل إنتاج صوت جديد تمامًا.

بينما يستخدم بعض الأشخاص مشغلات التسجيلات لتشغيل الموسيقى في المنزل ، لا يزال العديد من منسقي الأغاني يستخدمونها مع الخلاطات لإضافة طبقة جديدة من الصوت إلى مجموعاتهم.

عودة القرص الدوار

بعد عدة سنوات من الأقراص المضغوطة والموسيقى الرقمية ، أعاد عشاق الموسيقى المتشددون الفينيل. الآن ، يتم بيع الفينيل مرة أخرى في كل مكان ، بما في ذلك سلاسل البيع بالتجزئة الشهيرة ومتجر الموسيقى المحلي الخاص بك. حتى أن هناك ابتكارات جديدة ، مثل مشغل الأسطوانات العمودي.

بالإضافة إلى ذلك ، يقوم العديد من الفنانين الكبار الآن بإصدار ألبوماتهم على الفينيل ، مع استكمال أعمال الغلاف الجميلة والتنزيلات الرقمية المجانية عند الشراء.

كيف ظهرت سجلات الفينيل

حلت سجلات الفينيل محل الأقراص المطاطية التي تنتجها برلينر. كان إنتاج هذه السجلات على نطاق واسع أسهل بكثير ويمكن نسخ نسخها الرئيسية بسهولة باستخدام ورنيش على آلة القطع.

سترسل النسخة الرئيسية للسجل الإشارات الكهربائية إلى آلة القطع عبر رأس القطع. رأس القطع هو ما يحمل الإبرة ويقطع الأخاديد في الورنيش الملفوف حول منتصف القرص.

يتم إرسال الورنيش إلى شركة حيث يتم تغطيته بعد ذلك بالمعدن لعمل نسخة رئيسية نهائية. في الأساس ، تعد النسخة الرئيسية نوعًا من السالب للسجل الذي يمكن استخدامه في كل مرة يتم فيها إنتاج السجل بكميات كبيرة.

تُستخدم النسخة المعدنية من السجل لعمل جهاز ختم يتم وضعه على مكبس هيدروليكي يتم وضعه مع الفينيل بين الألواح. يتم استخدام البخار لتليين الفينيل ، ثم يتم ختمه وتبريده باستخدام الماء ، من أجل إنهاء التسجيل.

القرص الدوار الحديث

أدى الارتفاع الأخير في مبيعات الفينيل إلى الحاجة إلى مشغلات قياسية أكبر وأفضل. يواصل العديد من مستمعي الموسيقى وعشاق الصوت غير الرسميين الرغبة في تجربة موسيقاهم على التسجيلات بينما يريدون أيضًا لمسة أكثر حداثة ووظائف أفضل في مشغلات التسجيلات الخاصة بهم.

تتضمن هذه الميزات اتصال Bluetooth وتسجيل USB وخيارات السرعة واتصالات aux و RCA والمزيد.

في هذه الأيام ، أصبحت نسخ النماذج القديمة هي الشيء الكبير التالي. تبدو وكأنها نماذج قديمة من الخارج ، لكن بها كل الميزات الحديثة من الداخل.

تحتوي بعض أفضل مشغلات التسجيلات على مكبرات صوت مدمجة ، مما يجعل من الممكن فقط توصيل الوحدة والبدء في الاستماع إلى التسجيلات ، دون الحاجة إلى شراء مكبر صوت خارجي ومكبرات صوت إضافية.

يتم تسعير العديد من طرز الأقراص الدوارة الأحدث بأسعار معقولة مقارنةً بالموديلات الأولى التي تم إنتاجها منذ أكثر من مائة وأربعين عامًا.

في هذه الأيام ، من الممكن تمامًا شراء نموذج عالي الجودة بأقل من ثلاثمائة دولار. يعد هذا تغييرًا كبيرًا بالنظر إلى أنه عندما تم اختراع الجراموفون ، كانت العائلات الثرية فقط قادرة على تحمل تكلفة منزلهم.


كيف تم تطوير جهاز Walkman لأول مرة

مثل العديد من الاختراعات ، كان جهاز Walkman حلاً لمشكلة ما. سيستخدم المؤسس المشارك لشركة Sony ، Masaru Ibuka ، منتجًا من Sony يسمى مسجل الكاسيت TC-D5 ليكون قادرًا على الاستماع إلى الموسيقى أثناء السفر. لم تكن قطعة الإلكترونيات الضخمة هذه هي الشيء الأكثر ملاءمة للحمل وطلب من نائب الرئيس التنفيذي نوريو أوغا تصميم جهاز أصغر كان مخصصًا للتشغيل فقط. لقد أراد أيضًا أن يكون لها صوت ستريو للاستمتاع بشكل أفضل بموسيقاه ويمكن الاستماع إليها على سماعات الرأس.

تم بناء النموذج الأولي الأول من "Sony Pressman" المعدل والذي كان عبارة عن مسجل كاسيت أحادي. كان للصحفي أيضًا اسم مثير للاهتمام ...


برنامج Sony Pressman الأصلي

تم تجميع جهاز Walkman أخيرًا وصُنع من علبة معدنية فضية وأزرق وكان يُطلق عليه "TPS-L2" (كيف حالك على تقارير TPS هذه؟) سيعتبر أول جهاز استريو محمول منخفض التكلفة في العالم. تم إصداره في الأصل في اليابان في 1 يوليو 1979 وبيعت بما يقرب من 40،000 ين.

في ذلك الوقت ، كان هذا يعادل حوالي 150.00 دولارًا أمريكيًا ، وإذا قمت بالتعديل وفقًا للتضخم ، فقد كان يعادل حوالي 498.66 دولارًا أمريكيًا. هذا جزء كبير من التغيير ولم يكن لدي أي فكرة أنهم ذهبوا لهذا السعر. أعتقد أنه إذا كنت تفكر في الإصدارات الأولى من iPod التي بلغت حوالي 399 دولارًا وتم تعديلها لعام 2018 فستكون ما يعادل حوالي 518.00 دولارًا. لذلك أعتقد أن جهاز Walkman الأصلي كان سرقة!

إنه مشابه أيضًا لمقدمة كلاسيكية أخرى من الثمانينيات ، NES ، وكيف تأتي أشياء من هذا القبيل دائمًا بسعر مرتفع للبدء. هناك بعض القصص الدرامية المثيرة للاهتمام حول إطلاق NES التي كتبت عنها والتي سترغب في التحقق منها هنا.


مشغل كاسيت

تم تقديم تقنية أشرطة الكاسيت بواسطة شركة Philips ، وهي شركة إلكترونيات مقرها هولندا ، في عام 1963. على الرغم من إنشاء هذه التقنية لأغراض الإملاء ، نجحت Sony في تسويق مشغل الكاسيت كمشغل موسيقى شخصي. قدمت شركة Sony تقنية أشرطة الكاسيت للجمهور في أواخر الستينيات. تم تثبيت هذه المشغلات لاحقًا في أجهزة ستريو السيارة ، واستبدلت أنظمة ذات 8 مسارات. في عام 1979 ، استمرت شركة Sony في السيطرة على سوق مشغلات الموسيقى مع بداية "Walkman" ، وهو مشغل أشرطة كاسيت محمول ، وسيطرت مشغلات أشرطة الكاسيت على سوق مشغلات الموسيقى طوال الثمانينيات.


وميض في وظائف ورسكووس العين

بدأت علاقة Apple & rsquos بالموسيقى الرقمية ببراءة كافية ، من أحداث تبدو غير ذات صلة في عام 1999. في ذلك العام ، اكتشف ستيف جوبز الإمكانات الكامنة لتقنية خاملة طويلة الأمد اخترعتها Apple: FireWire. أتاح معيار الناقل التسلسلي نقل البيانات بسرعات تنذر بالخطر مقارنة بالمعايير الشائعة في ذلك الوقت.

أدركت Apple أنه باستخدام FireWire ، يمكن لمستخدمي Mac نقل مقاطع الفيديو التي تم التقاطها بكاميرات الفيديو الرقمية (التي استخدمت المعيار بالفعل) وتحريرها على أجهزة الكمبيوتر الخاصة بهم. قرر ستيف جوبز أن الجولة التالية من أجهزة iMac ستحتوي على منافذ FireWire.

اتصلت شركة Apple بعملاق التطبيقات الإبداعية Adobe لتأليف تطبيق تحرير أفلام بسيط وسهل للمستهلكين ، لكن Adobe رفضت. كان ذلك عندما قررت شركة Apple إنشاء iMovie وإبراز جهاز Mac كمركز لاستراتيجية & ldquodigital hub & rdquo ، حيث كان Mac بمثابة نواة لعالم وسائط رقمية يتسع باستمرار.

بحلول أواخر التسعينيات ، أصبحت الموسيقى الرقمية خبرًا مهمًا. موقع مشاركة الملفات غير القانونية Napster ، على وجه الخصوص ، دفع المشكلة في مواجهة الجميع و rsquos. على الرغم من المشكلات القانونية ، سرعان ما أصبح واضحًا لمعظم العاملين في مجال التكنولوجيا أن ملفات MP3 التي يتم تنزيلها عبر الإنترنت هي مستقبل توزيع الموسيقى.

حوالي عام 2000 ، أدركت شركة Apple أن لديها فجوة كبيرة في إستراتيجية المحور الرقمي القادمة عندما يتعلق الأمر بالموسيقى. لملء هذه الفجوة ، اشترت Apple حقوق SoundJam MP ، وهو تطبيق مشهور لمشغل Mac MP3 ، وظفت ثلاثة من منشئيها للعمل في Apple. كان أحد هؤلاء الرجال ، جيف روبين ، يترأس تطوير تطبيق الموسيقى الرقمية الذي يحمل علامة Apple التجارية.

قام فريق Robbin & rsquos بتبسيط SoundJam وإضافة ميزات حرق الأقراص المضغوطة لإنشاء iTunes ، الذي تم إصداره في يناير 2001. كما فعلت iMovie مع كاميرات الفيديو المتصلة بـ FireWire ، سعى فريق iTunes بشكل طبيعي إلى السماح للمستخدمين بنقل الأغاني من iTunes إلى مشغلات MP3 المحمولة في ذلك اليوم . كان لديهم مشكلة.


اختراع الراديو: من المسؤول حقًا؟

اليوم ، أنت & # 8217d تكافح للعثور على شخص لم يستخدم أو شاهد الراديو في حياته. ومع ذلك ، لم يكن هذا هو الحال دائمًا. قبل حلول القرن التاسع عشر ، لم يكن هناك ما يسمى بالاتصالات اللاسلكية.

حتى عندما بدأت تكنولوجيا الراديو في الظهور في أواخر القرن التاسع عشر ، استغرق الأمر سنوات حتى أصبح المفهوم سائدًا.

ربما يكون النمو البطيء والمعقد لاختراع الراديو هو السبب في صعوبة تحديد السنة التي تم فيها اختراع الراديو ، ومن يجب أن يُنسب إليه الفضل في وصوله.

على الرغم من وجود العديد من الحجج حول اختراع الراديو ، يتفق معظم الناس على أن نيكولاي تيسلا أو غولييلمو ماركوني هو المسؤول عن أول راديو تم اختراعه.

في عام 1893 ، أظهر نيكولاي تيسلا ، أحد أشهر المخترعين في العالم ، أول راديو لاسلكي في سانت لويس بولاية ميسوري.

ومع ذلك ، غالبًا ما يربح Guglielmo Marconi لقب & # 8220Father of Radio. & # 8221 ربما أحد أسباب ذلك هو أن Guglielmo حصل على أول براءة اختراع للتلغراف اللاسلكي في إنجلترا عام 1896.

بعد ذلك بعام ، قدم تسلا براءات اختراع لراديوه ، والتي مُنحت في عام 1900. ومع ذلك ، كان ماركوني أول شخص يرسل إشارات الراديو عبر المحيط الأطلسي.

يعتقد معظم الناس أن إجابة السؤال: & # 8220 متى تم اختراع الراديو. & # 8221 يعود إلى أفكارك حول مناظرة تسلا وماركوني. ومع ذلك ، فإنه يعتمد أيضًا على أي جزء من اختراع الراديو & # 8217s الذي تهتم به.

تعود الجذور الأصلية لاختراع الراديو إلى أوائل القرن التاسع عشر. وضع الفيزيائي الدنماركي هانز أورستد أسس العلم باكتشاف النسبية بين التيار المباشر والطاقة المغناطيسية في عام 1819. واستمرت هذه النظرية لتشكيل الأساس لاختراعات أخرى.

على سبيل المثال ، اخترع أندريه ماري أمبير تقنية & # 8220solenoid & # 8221 لإنشاء مجالات مغناطيسية. في عام 1831 ، طور مايكل فاراداي نظريته ، مشيرًا إلى أن التغيير في المجال المغناطيسي قد يكون لديه القدرة على توليد قوى دافعة كهربائية.

لعبت هذه النظرية الخاصة بـ & # 8220indance & # 8221 دورًا مهمًا في تطوير الراديو. في نفس العام ، بدأ جوزيف هنري ، الأستاذ في جامعة برنستون ، العمل على تقنية الترحيل الكهرومغناطيسي.

قبل وقت طويل من ظهور الراديو ، كما نعرفه اليوم ، توقع جيمس كليرك ماكسويل ، الفيزيائي من اسكتلندا ، وصوله. في عام 1886 ، واصل هاينريش رودولف هيرتز إظهار أن التيارات الكهربائية يمكن أن تنطلق على شكل موجات راديو.

حتى أن بعض الناس يقترحون أن أول راديو تم اختراعه يمكن أن يُنسب إلى طبيب أسنان يُدعى ماهلون لوميس. في عام 1866 ، أثبت طبيب الأسنان أن التلغراف اللاسلكي يعمل.

كما هو الحال مع معظم التقنيات ، من الصعب الإجابة عن أسئلة من صنع الراديو ، وأي سنة اخترع الراديو لأول مرة. يبدو أن الكثير من الناس قد شاركوا في تصور وتطوير الراديو كما نعرفه اليوم.

في حين أن تسلا قد تنسب إلى مفهوم استخدام الراديو للاتصال ، إلا أن الراديو لم يكن ليصبح ما هو عليه الآن بدون ماركوني.


مع بلوغ جهاز Walkman من سوني سن الخامسة والثلاثين ، يمكنك إلقاء نظرة على بدايته

أتخيل أنك & # 8217 المؤسس المشارك لشركة عالمية ، عملاق صناعة الإلكترونيات اليابانية مع موارد غير محدودة تقريبًا تحت تصرفك. لكنك تعيش على متن طائرات ، وتحب الاستماع إلى الموسيقى الكلاسيكية أثناء الرحلات الطويلة عبر المحيط الهادئ ، وقد سئمت من شدّ لاعبك الضخم أحادي الصوت.

لذلك ، لأنك تستطيع ، فإنك توجه جناح البحث والتطوير الخاص بك لبناء نسخة أصغر وأكثر قابلية للحمل لاستخدامك الشخصي. العام 1978.

من طلب الخدمة الذاتية هذا & # 8212 الذي قدمه منذ أكثر من ثلاثة عقود من قبل الرئيس المشارك لشركة Sony المحبط ، Masaru Ibuka ، ويخدمه قسم مسجل الشريط Sony & # 8217s بجهاز أعجبه Ibuka لدرجة أنه دفع لإحضاره إلى السوق & # 8212 سكب العالم & # 8217s أول إمبراطورية صوتية محمولة. مضى Sony & # 8217s Walkman ، الذي يبلغ من العمر 35 عامًا في 1 يوليو 2014 ، في بيع مئات الملايين من وحدات لف الشريط المغناطيسي ، قبل عقود من ظهور Apple & # 8217s iPod في ثورة تشغيل الصوت الرقمي ذي الحالة الصلبة.

كانت أجهزة الصوت المحمولة & # 8217t جديدة عند وصول Sony & # 8217s لأول جهاز Walkman ، طراز الصوت غير المثير & # 8220TPS-L2 ، & # 8221 في 1 يوليو 1979. العالم & # 8217s أول ظهر مشغل الصوت المحمول قبل عقدين ونصف من الزمان في عام 1954: كان ريجنسي TR-1 & # 8212 يحتوي على رقم طراز أكثر منطقية ، حيث كان TR اختصارًا لـ & # 8220transistor ، & # 8221 نفسها التكنولوجيا التي كانت تحول الرؤوس في منتصف الخمسينيات. كانت تكلفتها 49.95 دولارًا عند إطلاقها ، أو 442 دولارًا أمريكيًا في اليوم 8217 دولارًا. كان يُشغل صوت الراديو ، بالطبع ، بوزن 12 أوقية (مع بطاريته 22.5 فولت ، والتي استمرت 20 ساعة) ، وكان حجم كومة من بطاقات الفهرس بسمك بوصة تقريبًا و لم & # 8217t تناسب جيبك. ولكن على الرغم من أن ريجنسي باعت فقط حوالي 150.000 وحدة TR-1 ، إلا أنها & # 8217s تم التعرف عليها كأول جهاز يخرج الناس ويستمعون إلى الموسيقى أثناء التنقل.

ظهر الشريط المغناطيسي في وقت سابق ، في عام 1930 ، من باب المجاملة لشركة الهندسة الكيميائية الألمانية BASF ، على الرغم من أنه في هذه المرحلة كان الشريط ملفوفًا حول بكرات عملاقة وتم تعليقه على آلات كانت غير محمولة (عرض AEG أول مسجل تجاري بكرة إلى بكرة في عام 1935 أطلق عليها اسم & # 8220Magnetophon & # 8221). استغرق الأمر نصف قرن & # 8212 فترة شهدت ظهور كل شيء بدءًا من مشغلات المسار 8 في الستينيات إلى استخدام الكاسيت شبه المحمول & # 8220boombox & # 8221 ستريو في السبعينيات و 8212 قبل أن تبدأ Sony في اللعب بهذه الفكرة من مشغلات الأشرطة التي تركز على الموسيقى ، وهي صغيرة بما يكفي لتناسب راحة يدك.

حتى ذلك الحين ، كانت إحدى المحاولات الأولى لشركة Sony & # 8217s في مشغل موسيقى ستريو & # 8220portable & # 8221 الراقي بالكاد هي السائدة: كان TC-D5 ، الذي تم إصداره في عام 1978 ، ثقيلًا وكلف ثروة. كان TC-D5 الضخم الذي كانت شركة Sony & # 8217s Ibuka تنقله ذهابًا وإيابًا في جميع رحلات العمل الطويلة ، وهو ما دفعه في عام 1978 إلى مطالبة نوريو أوهغا ، مدير قسم Sony & # 8217s بقسم مسجل الشرائط ، بالمشاركة عند إنشاء نسخة استريو من Sony & # 8217s Pressman & # 8212 ، بدأت شركة Sony في بيعها في عام 1977 واستهدفت أعضاء الصحافة.

استلمت أوغا طلب Ibuka & # 8217s إلى Kozo Ohsone ، مدير قسم أعمال مسجلات الأشرطة & # 8217s ، الذي بدأ على الفور في العبث ببرنامج Pressman المعدل الذي لن يسجل الصوت & # 8217t ولكنه عرض بدلاً من ذلك تشغيل الاستريو. كان الجهاز الناتج مسرورًا جدًا لـ Ibuka بعد أن جربه في رحلة عمل لدرجة أنه ذهب إلى رئيس مجلس إدارة Sony في ذلك الوقت ، Akio Morita ، قائلاً & # 8220 حاول هذا. ألا تعتقد & # 8217t أن مشغل كاسيت ستريو يمكنك الاستماع إليه أثناء التجول فكرة جيدة؟ & # 8221

قام موريتا بذلك ، واعتقد أن العالم أيضًا سيطلب على الفور من فريقه الهندسي البدء في العمل على منتج & # 8220 الذي سيرضي هؤلاء الشباب الذين يرغبون في الاستماع إلى الموسيقى طوال اليوم. & # 8221 يجب أن يكون الجهاز جاهزًا بحلول الصيف (لجذب الطلاب في إجازة) وشحن بسعر مشابه لـ Pressman & # 8217s.

بعد أربعة أشهر فقط من التطوير ، أصبح الجهاز جاهزًا. لكن ماذا نسميها؟ أراد Sony & # 8217s Ibuka & # 8220Walkman ، & # 8221 بالاتفاق مع الشركة & # 8217s Pressman ، لكن الشركة لم تكن & # 8217t متأكدًا من أن الاسم كان صحيحًا ، في البداية تسويق الجهاز باعتباره & # 8220Soundabout & # 8221 في الولايات المتحدة ( حيث ظهرت لأول مرة في وقت لاحق قليلاً في يونيو 1980) وبأسماء مختلفة تمامًا في بلدان أخرى. استقرت Sony في النهاية على لقب Ibuka & # 8217s بزاوية وظيفية & # 8212 كان المبدأ الأساسي هو التمشي الموسيقي ، بعد كل شيء & # 8212 وهكذا وُلد جهاز Walkman ، على الرغم من أنه لم يكن & # 8217t نجاحًا فوريًا.

أنتجت Sony 30،000 وحدة في الجهاز & # 8217s إطلاق ياباني في عام 1979 و # 8212 ، تم تشغيل TPS-L2 على بطاريتين AA وسماعات رأس مطلوبة ، نظرًا لأنه لا يحتوي على مكبر صوت & # 8212 وسعره بسعر 150 دولارًا (أقل بقليل من 500 دولار في اليوم & # 8217s دولار) ، لكنها بيعت فقط بضعة آلاف بحلول نهاية شهر يوليو. لقد تطلب الأمر من ممثلي Sony المشي في شوارع طوكيو مع وجود وحدات اختبار في متناول اليد ، والعمل على الحشود والسماح لهم بتجربة جهاز Walkman بأنفسهم ، لتوليد الاهتمام الذي التهم كل مخزون منتجات Sony & # 8217s بحلول شهر أغسطس & # 8217. ولمخاطبة منتقدي TPS-L2 ، الذين رفضوا فكرة تقييد التشغيل فقط ، اتبعت Sony سريعًا بإصدار من جهاز Walkman أطلق عليه اسم TCS-300 الذي أضاف خيار التسجيل أيضًا.

بقية القصة التي تعرفها: في حين أن الكاسيت ومشغلات الوسائط المحمولة التي تعتمد على الأقراص في وقت لاحق قد تم استبدالها منذ فترة طويلة بواسطة Apple & # 8217s iPod وعصر الاستماع الذي يركز على MP3 ، و Walkman ، من خلال العديد من التكرارات والوسائط المتعددة. التحولات إلى التنسيقات البديلة مثل MiniDisc (التي تُباع تحت العلامة التجارية Walkman) ، حيث بيعت ما يقرب من 400 مليون وحدة. على النقيض من ذلك ، يجب عليك إضافة جميع وحدات تحكم ألعاب PlayStation من Sony & # 8217s والأجهزة المحمولة التي تم بيعها حتى الآن (تم طرح أول PlayStation للبيع في أواخر عام 1994) لتتجاوز هذا الرقم.

هذا أقل شهرة إلى حد ما & # 8212 أنت & # 8217 لن تجد هذا في أي مكان في Sony & # 8217s للتاريخ الذاتي للشركة المفصل & # 8212 لكن Sony واجهت بعض المشاكل القانونية مع جهاز Walkman الذي لم يخرج منه تمامًا حتى منذ ما يقرب من عقد من الزمان. هذا & # 8217s بسبب أندرياس بافيل ، مخترع ألماني برازيلي ابتكر جهازًا في عام 1972 أطلق عليه & # 8220Stereobelt & # 8221 (لأنك كنت ترتديه كحزام). كان جهاز Pavel & # 8217s كافيًا مثل جهاز Walkman ، وسجلت براءات اختراعه مقدمًا بوقت كافٍ ، بحيث اضطرت Sony في النهاية إلى دفع إتاوات على مبيعات Walkman & # 8217s ، لكنها لم تفعل ذلك إلا في بلدان معينة ولطرازات مختارة.

لكن بافل الموصوف في 2005 نيويورك مرات قطعة كـ & # 8220 أكثر اهتمامًا بالأفكار والفنون أكثر من اهتمامها بالتجارة ، عالمية بطبيعتها وتربيتها ، & # 8221 أيضًا أراد الاعتراف بكونه مخترع & # 8220 ستريو محمول ، & # 8221 لذلك سعى إلى سوني ، وبلغت ذروتها في التهديدات في في أوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين لمقاضاة الشركة في كل دولة ، قدم بافيل براءة اختراع. في عام 2003 ، رضخت شركة Sony أخيرًا ، واستقرت خارج المحكمة مقابل مبلغ لم يكشف عنه ، وفاز بافيل بالحق ، مرة واحدة وإلى الأبد ، في تسمية نفسه مخترع مشغل الاستريو المحمول الشخصي.

ذكرياتي الخاصة عن وصول جهاز Walkman & # 8217 تمت تصفيتها من خلال ضباب طفولة ما قبل الإنترنت. كنت في التاسعة من عمري عندما ظهر جهاز Walkman لأول مرة في الولايات المتحدة ، حيث أعيش في بلدة نبراسكا النائية التي يبلغ عدد سكانها أقل من الآلاف. (يبالغ ألكسندر باين في تفاصيل حياة بلدة نبراسكا الصغيرة في فيلمه الذي يحمل نفس الاسم ، لكنه يحصل على وتيرة هادئة ونغمة منفصلة بشكل صحيح تمامًا.) في عام 1980 ، كان لدى والديّ ستريو مكون من 8 مسارات ومشغل تسجيلات يشبه طاولة أريكة وأخذت شخصين على الأقل للتحرك. كان له غطاء عملاق لإخفاء جميع مقابضه ورافعاته & # 8212 نصب تذكاري للبشاعة التكنولوجية مغلفة بأعمال خشبية أنيقة. كان المكان الذي أعيش فيه على أحدث طراز ، وواجهتي مع الموسيقى بينما كان العالم ينتقل إلى الهاتف المحمول.

عندما حصلت على أول جهاز Walkman & # 8212 ، لم أتذكر السنة بالضبط ، على الرغم من أنني متأكد من أنه لم يكن & # 8217t النموذج الأول & # 8212 كان بمثابة الوحي ، وسيلة للاستماع إلى الموسيقى متى وأين أنا أراد ، من تفكيك رحلات السيارات العائلية في عطلة نهاية الأسبوع (كل رحلة سيارة & # 8217s إلى الأبد عندما & # 8217 طفلًا وساعة في أي اتجاه من مدينة رئيسية) ، لتحرير الموسيقى التي كنت أستمع إليها في ذلك الوقت (عدد كبير جدًا الموسيقى التصويرية لفيلم جون ويليامز مجاملة لعمي ، الذي يجعلني & # 8217d نسخ كاسيت من تسجيلاته الخاصة) من حدود غرف المعيشة ، أو التنازلات السمعية والتحكمية لأجهزة ستريو السيارات.

أنا & # 8217m لست متأكدًا من أنني اهتممت أو حتى فهمت تمامًا دور Sony & # 8217s في الاستريو-dom المحمول الذي نشأ في الثمانينيات ، وربما كان جهاز Sony أو لا ، مثل جهاز Walkman (تمامًا مثل جهاز iPod بعده) أمرًا لا مفر منه. لكن الفضل يرجع إلى & # 8217s: Sony & # 8217s Walkman هو رمز لما يعنيه أن تكون متذوقًا للموسيقى خلال أيام مجد شريط الكاسيت & # 8217s ، حيث الحفاظ على الموسيقى في الانتقال من غرفة المعيشة الخاصة بك إلى ستيريو سيارتك إلى شخصك بعد القيادة إلى الحديقة للتنزه أو الركض كان الأمر بسيطًا مثل الضغط على زر (EJECT) ، وانزلاق قطعة بلاستيكية صغيرة ملفوفة بشريط من باب مغناطيسي إلى آخر ، ودفع PLAY.


مشغل الموسيقى المحمول في تسعينيات القرن التاسع عشر؟ - تاريخ

لفة البيانو لسكوت جوبلين لفرقة Maple Leaf Rag (1916)

إن الشعبية المتفجرة لخرقة نبات القيقب ، مثلها مثل العديد من الأحداث المؤثرة الأخرى في التاريخ الأمريكي ، تأسست على ظرف عرضي. النادي الذي ألهم الأغنية عمل لمدة عام ونصف فقط. سكوت جوبلين ، الملحن ، قضى بضع سنوات فقط من حياته في سيداليا قبل أن ينتقل إلى سانت لويس ونيويورك. التقى ناشر الموسيقى بجوبلين فقط عن طريق الصدفة حيث تقول إحدى القصص أنه أحب الموسيقى التي سمعها ذات يوم عندما توقف لتناول الجعة.

كان من جميع النواحي مزيجًا غير محتمل. ومع ذلك فقد حدث - ونتيجة لذلك ، ستقيم سيداليا بولاية ميسوري ، في وقت لاحق من هذا الشهر ، حفلة للاحتفال بالذكرى المئوية لتصديرها الأكثر شهرة: سكوت جوبلين مابل ليف راج.

لم يكن جوبلين هو الملحن الوحيد لموسيقى الراغتايم في تسعينيات القرن التاسع عشر ، أو حتى الملحن الأول. كانت الموسيقى الجديدة ، التي مزجت مسيرة وتيموس ، وأغاني عروض المنشد ، والإيقاعات & quotragged & quot أو المجمعة ، تتسرب في جميع أنحاء الغرب الأوسط حيث اجتمع الموسيقيون الأمريكيون من أصل أفريقي. كانت سانت لويس وشيكاغو ، بمعرضها العالمي ، نقطة جذب للموسيقيين الذين جربوا أساليب جديدة.

لكن جوبلين كان مؤلف موسيقى الراغتايم الحاسم ، الشخص الذي أعطى خياله الموسيقي للراغتايم أفضل تعبير لها. وفي لعبة Maple Leaf Rag (التي سميت على اسم نادي Sedalia الاجتماعي الذي لم يدم طويلاً) ، أعطى هذا النوع تحفة فنية مميزة. كانت أيضًا أكبر ضربة للراغتايم. أدى النجاح الهائل الذي حققته لعبة Maple Leaf Rag إلى إثارة جنون موسيقى الراغتايم على مستوى البلاد. تم نشر المئات والمئات من الخرق. حتى أن أحد رواد الأعمال فتح سلسلة من مدارس تعليم الراجتايم ، بما في ذلك فرع في هونولولو. تمامًا كما هو الحال مع موسيقى الجاز والروك أند رول والراب ، كان هناك أولئك الذين انطلقوا ضد الاتجاه الجديد (& quot ؛ تم تحميل عدادات متاجر الموسيقى بهذا السم الخبيث & quot). لكن المد تحول بسرعة. بحلول عام 1905 ، حتى ابنة الرئيس يمكن أن تكون من محبي موسيقى الراغتايم:

صعدت الآنسة روزفلت [في حفل استقبال بالبيت الأبيض] وقالت ، "أوه ، السيد سانتيلمان ، اعزف لي لعبة Maple Leaf Rag. . . . & quot؛ The Maple Leaf Rag؟ & quot شهق مندهشا. & quot في الواقع يا آنسة روزفلت ، لم أسمع أبدًا بمثل هذا التكوين ، وأنا متأكد من أنه ليس في مكتبتنا. & quot الآن ، الآن ، السيد سانتيلمان ، & quot ضحك أليس ، & quot لا تخبرني بذلك. لقد عزفها فتيان الفرقة لي مرارًا وتكرارًا عندما كان السيد سميث أو السيد فانبوك يديرها ، وسأراهن أنهم جميعًا يعرفون ذلك بدون الموسيقى. & quot
- استدعاه أحد أعضاء الفرقة البحرية

ويمكن أن تكون موسيقى الراغتايم مثل البدع الأخرى في الثقافة الشعبية: مشهورة لمدة 15 دقيقة. ولكن بدلاً من ذلك ، يبدو أن هدف Joplin المتمثل في إنشاء أعمال من شأنها أن تكون مشهورة وموسيقى & quot؛ & quot؛ لها صدى من خلال الموسيقى الأمريكية: في وظائف Gershwin و Ellington و Bernstein و Mingus و Sondheim والعديد من الآخرين. وبعد 100 عام ، كما يقترح بعض مما يلي ، تستمر موسيقى الراغتايم في الانتعاش والظهور مرة أخرى ، ليس فقط في عالم الموسيقى ، ولكن في الأدب والسينما والمسرح.

1868 وُلِد سكوت جوبلين في شمال تكساس ، وهو ابن لعبد سابق.

1899 نشر خرقة ورقة القيقب. كانت المبيعات بطيئة في البداية ، لكنها أصبحت بعد ذلك من أكثر الكتب مبيعًا على مستوى البلاد. ينتج ناشرو الموسيقى مئات الخرق للاستفادة من هذا الاتجاه. ستعرض الصورة النموذجية الصور النمطية البدائية للأمريكيين الأفارقة على الغلاف والموسيقى التركيبية التي يمكن نسيانها من الداخل.

في خضم كل هذا ، ستصر جوبلين على التميز وضبط النفس لما سيصبح معروفًا باسم & quotclassic ragtime & quot - كما صاغتها إعلانات Stark ، & quas عالية الجودة مثل Chopin. & quot

1903 تم تسجيل أول تسجيل لـ Maple Leaf Rag في مينيابوليس. لا توجد نسخ معروفة للبقاء على قيد الحياة.

1907 ينتقل جوبلين إلى نيويورك. قام بتأليف مقطوعات مثل Solace و Pineapple Rag و Wall Street Rag ، وأكثر أعماله طموحًا ، أوبرا Treemonisha.

1907 في باريس ، كتب كلود ديبوسي Cakewalk في Golliwog's Cakewalk. (كان نزهة المشي أحد أسلاف قطعة القماش.) الحداثيين الآخرين الذين سيساعدون أنفسهم على إيقاعات خشنة هم إريك ساتي وإيجور سترافينسكي وبول هينديميث.

1911 يكتب إيرفينغ برلين & quot؛ فرقة راغتايم من ألكسندر & quot؛ هل سرق اللحن من جوبلين؟ وفقًا لتقليد واحد ، نعم ، لكن علماء موسيقى الراغتايم غير قادرين على التحقق من ذلك.

1917 سنوات جوبلين الأخيرة ليست سعيدة. يستمر في النمو كملحن ، لكنه يعاني من أعراض مرض الزهري الذي سيقتله ، ويحبطه عدم قدرته على تأمين إنتاج Treemonisha. قبل وفاته بسنة. جوبلين يصنع لفة بيانو من Maple Leaf Rag. وثيقة فريدة ولكن صحته متعثرة واللعب مليء بالأخطاء. مات جوبلين في عام 1917 ، عن عمر يناهز 49 عامًا.

استمع - لفة بيانو جوبلين لفرقة Maple Leaf Rag
(RealAudio 3.0: للحصول على تعليمات صوتية ، راجع كيفية الاستماع.)

1918 يدرس عازفو البيانو الشباب مثل جيمس بي جونسون وجيلي رول مورتون أعمال جوبلين ويؤدونها ، لكنهم يقدمون عناصر من القيادة الإيقاعية والبراعة والارتجال. يتم إنشاء أنماط جديدة: بيانو خطوة ، وموسيقى الجاز ، والتي ستتفوق على موسيقى الراغتايم كإتجاه شائع.

1950 قام المؤلفان رودي بليش وهارييت جانيس بإجراء مقابلة مع قدامى المحاربين الباقين على قيد الحياة في العصر الذهبي لموسيقى الراغتايم ، بما في ذلك أرملة جوبلين لوتي ، وكتبوا كتابًا مهمًا ، لقد لعبوا جميعًا لعبة Ragtime.

السبعينيات في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي ، كانت موسيقى الراغتايم تقود وجودًا هامشيًا. يولد ضرب الجدة في بعض الأحيان. يمكن سماعها في صالونات جاي على طراز التسعينيات ، ولسبب ما ، محلات بيتزا شاكي. لكن بهدوء ، هنا وهناك ، التغيير يتحرك. In small numbers, musicians - many of them classical composers and academics by day - are beginning to look at ragtime in fresh ways. Composers like William Bolcom and William Albright write new rags. Joshua Rifkin, a musicologist and expert on baroque music, makes a recording of Joplin rags for the Nonesuch label. In contrast to the "honky-tonk" style that most people associate with ragtime, Rifkin's performances are elegant, wistful, slow. The record becomes a best-seller. Gunther Schuller rediscovers the arrangements used by bandsmen in Joplin's day (the "Red Back Book"): it too is a best-seller. Joplin becomes the dominant composer on the classical charts. The great ragtime revival of the 1970s is underway. Soon, ragtime shows up everywhere, from recitals to TV commercials.

Listen - Solace, by Joshua Rifkin
1973 Film director George Roy Hill overhears the record his teenage son is playing in his room. It's Schuller's "Red Back Book." Hill decides to use the music in his movie, The Sting. Even though Schuller, and Joplin, are mentioned in the film's credits, thousands of movie-goers have the impression that Joplin's Entertainer is actually a piece called "Theme from 'The Sting'," by Marvin Hamlisch.

1975 E. L. Doctorow publishes his novel, "Ragtime," which investigates themes of race, class, and injustice. It melds historical characters like Houdini and Stanford White with fictional ones, including a Joplin-like musician named Coalhouse Walker. In the same year, Treemonisha is produced on Broadway.

1976 Joplin, now more widely recognized than he ever was in his life, is awarded a special Pulitzer Prize in music.

1981 The movie version of Doctorow's Ragtime appears, with a score by Randy Newman and a cameo appearance by James Cagney.

1998 Ragtime: The Musical, based on Doctorow, opens on Broadway. It wins four Tony awards.


How the Phonograph Changed Music Forever

These days music is increasingly free—in just about every sense of the word.

قراءات ذات صلة

المحتوى ذو الصلة

Right now, if you decided you wanted to hear, say, “Uptown Funk,” you could be listening to it in seconds. It’s up free on YouTube, streamable on Spotify or buyable for about two bucks on iTunes. The days of scavenging in record stores and slowly, expensively building a music library are over. It’s also become easier than ever to make music. Every Mac ships with a copy of GarageBand, software powerful enough to let anyone record an album.

Are these trends a good thing—for musicians, for us, for the world of audible art?

Now the arguments begin. Some cultural critics say our new world has liberated music, creating listeners with broader taste than ever before. Others worry that finding music is too frictionless, and that without having to scrimp and save to buy an album, we care less about music: No pain, no gain. “If you own all the music ever recorded in the entire history of the world,” asked the novelist Nick Hornby in a column for لوحة, “then who are you?”

Artists fight over digital music too. Many say it impoverishes them, as the relatively fat royalties of radio and CD give way to laughably tiny micropayments from streaming companies, where a band might get mere thousandths of a penny from their label when a fan streams its song. Other artists disagree, arguing that giving away your music for free online makes it easier to build a global fan base avid for actually giving you money.

A confusing time, to be sure. But it’s certainly no more confusing than the upheaval that greeted a much older music technology: the phonograph. Back in the 19th century, it caused fights and joy too—as it forever transformed the face of music.

It’s almost hard to reconstruct how different music was before the phonograph. Back in the mid-1800s, if you wanted to hear a song, you had only one option: live. You listened while someone played it, or else you played it yourself.

That changed in 1877 when Thomas Edison unveiled his phonograph. It wasn’t the first such device to record and play back audio, but it was the first generally reliable one: scratchy and nearly inaudible by modern standards, but it worked. Edison envisioned a welter of uses, including for business, “to make Dolls speak sing cry” or to record “the last words of dying persons.” But in 1878 he made a prediction: “The phonograph will undoubtedly be liberally devoted to music.”

Subscribe to Smithsonian magazine for just $12

This story is a selection from the January-February issue of Smithsonian magazine

لقد كان محقا. Within a few years, entrepreneurs began putting phonograph recordings—mostly on wax cylinders—into “coin-in-slot” machines on city streets, where passersby could listen to several minutes of audio: jokes, monologues, songs. They were an instant hit one machine in Missouri hauled in $100 in a week. The next obvious step was selling people recordings. But of what?

At first, nearly everything. Early phonography was a crazy hodgepodge of material. “It was all over the place,” says Jonathan Sterne, a professor of communication studies at McGill University who wrote The Audible Past. “It would have been vaudeville stars, people laughing, people telling jokes and artistic whistling.” An example was “Uncle Josh Weathersby’s Visit to New York,” a skit that poked fun at urban mores by having a country hick visit the big city. Meanwhile, in the wake of the relatively recent Civil War, marching music was in vogue, so military bands recorded their works.

Soon, though, hits emerged—and genres. In 1920, the song “Crazy Blues” by Mamie Smith sold one million copies in six months, a monster hit that helped create blues as a category. Jazz followed, and “hillbilly” music, too. If people were going to buy music, producers realized, they’d want some predictability, so music had to slot into a known form. One surprise hit was opera. In 1903, in an attempt to eradicate the phonograph’s working-class vaudeville associations, the Victor Talking Machine Company recorded the European tenor Enrico Caruso—so successfully that labels began frantically cranking out copies. “Why has this great interest and enthusiasm for Opera so suddenly developed?” asked one journalist in 1917 in National Music Monthly. “Almost every layman will answer with the two words, ‘the phonograph.’”

But the nature of a “song” also began to change.

For one thing, it got much, much shorter. Early wax cylinders—followed in 1895 by the shellac discs of the inventor Emile Berliner—could hold only two to three minutes of audio. But the live music of the 19th and early 20th centuries was typically much more drawn out: Symphonies could stretch to an hour. As they headed into the studio, performers and composers ruthlessly edited their work down to size. When Stravinsky wrote his Serenade in A in 1925, he created each movement to fit a three-minute side of a disc two discs, four movements. The works of violinist Fritz Kreisler were “put together with a watch in the hand,” as his friend Carl Flesch joked. Blues and country songs chopped their tunes to perhaps one verse and two choruses.

“The three-minute pop song is basically an invention of the phonograph,” says Mark Katz, a professor of music at the University of North Carolina at Chapel Hill, and author of Capturing Sound: How Technology Has Changed Music.

What’s more, the early phonograph had terrible sound fidelity. Microphones weren’t commonly in use yet, so recording was a completely mechanical process: Musicians played into a huge horn, with the sound waves driving a needle that etched the audio into the wax. It captured little low end or high end. Violins turned into “a pathetic and ghostly murmur,” as one critic sniffed high female voices sounded awful. So producers had to alter the instrumentation to fit the medium. Jazz bands replaced their drums with cowbells and woodblocks, and the double bass with a tuba. Klezmer bands completely dropped the tsimbl, a dulcimer-like instrument whose gentle tones couldn’t move the needle. (Caruso’s enormous success was partly due to the quirks of the medium: The male tenor was one of the few sounds that wax cylinders reproduced fairly well.)

Recording was physically demanding. To capture quiet passages, singers or instrumentalists would often have to stick their face right into the recording horn. But when a loud or high passage came along, “a singer would have to jump back when hitting a high C, because it’s too powerful, and the needle would jump out of the groove,” says Susan Schmidt Horning, author of Chasing Sound and a professor of history at St. John’s University. (Louis Armstrong was famously placed 20 feet away for his solos.) “I got plenty of exercise,” joked the opera singer Rosa Ponselle. If a song had many instruments, musicians often had to cluster together in front of the cone, so tightly packed that they could accidentally smack an instrument into someone else’s face.

Plus, perfection suddenly mattered. “On the vaudeville stage a false note or a slight slip in your pronunciation makes no difference,” as the hit singer Ada Jones noted in 1917, whereas “on the phonograph stage the slightest error is not admissible.” As a result, the phonograph rewarded a new type of musical talent. You didn’t need to be the most charismatic or passionate performer onstage, or have the greatest virtuosity—but you did need to be able to regularly pull off a “clean take.” These demands produced unique stress. “It is something of an ordeal,” admitted the violinist Maud Powell. “Does your finger touch by accident two strings of your fiddle when they should touch but one? It will show in the record, and so will every other microscopic accident.” Plus, there was no audience from which to draw energy. Many performers froze up with “phonograph fright.”

Even as it changed the nature of performing, the phonograph altered how people heard music. It was the beginnings of “on demand” listening: “The music you want, whenever you want it,” as one phonograph ad boasted. Music fans could listen to a song over and over, picking out its nuances.

“This is a very different relationship to music,” as Sterne notes. Previously, you might become very familiar with a song—with its tune, its structure. But you could never before become intimate with a particular performance.

People started defining themselves by their genre: Someone was a “blues” person, an “opera” listener. “What you want is your kind of music,” as another advertisement intoned. “Your friends can have their kind.” Pundits began to warn of “gramomania,” a growing obsession with buying and collecting records that would lead one to ignore one’s family. “Has the gramophone enthusiast any room or time in his life for a wife?” one journalist joked.

A curious new behavior emerged: listening to music alone. Previously, music was most often highly social, with a family gathering together around a piano, or a group of people hearing a band in a bar. But now you could immerse yourself in isolation. In 1923, the writer Orlo Williams described how strange it would be to enter a room and find someone alone with a phonograph. “You would think it odd, would you not?” he noted. “You would endeavor to dissemble your surprise: you would look twice to see whether some other person were not hidden in some corner of the room.”

Some social critics argued that recorded music was narcissistic and would erode our brains. “Mental muscles become flabby through a constant flow of recorded popular music,” as Alice Clark Cook fretted while listening, your mind lapsed into “a complete and comfortable vacuum.” Phonograph fans hotly disagreed. Recordings, they argued, allowed them to focus on music with a greater depth and attention than ever before. “All the unpleasant externals are removed: The interpreter has been disposed of the audience has been disposed of the uncomfortable concert hall has been disposed of,” wrote one. “You are alone with the composer and his music. Surely no more ideal circumstances could be imagined.”

Others worried it would kill off amateur musicianship. If we could listen to the greatest artists with the flick of a switch, why would anyone bother to learn an instrument themselves? “Once the talking machine is in a home, the child won’t practice,” complained the bandleader John Philip Sousa. But others wryly pointed out that this could be a blessing—they’d be spared “the agonies of Susie’s and Jane’s parlor concerts,” as a journalist joked. In reality, neither critic was right. During the first two decades of the phonograph—from 1890 to 1910—the number of music teachers and performers per capita in the U.S. rose by 25 percent, as Katz found. The phonograph inspired more and more people to pick up instruments.

This was particularly true of jazz, an art form that was arguably invented by the phonograph. Previously, musicians learned a new form by hearing it live. But with jazz, new artists often reported learning the complex new genre by buying jazz records—then replaying them over and over, studying songs until they’d mastered them. They’d also do something uniquely modern: slowing the record down to pick apart a complex riff.

“Jazz musicians would sit there going over something again and again and again,” says William Howland Kenney, author of Recorded Music in American Life. “The vinyl was their education.”

Records weren’t terribly profitable for artists at first. Indeed musicians were often egregiously ripped off—particularly black ones.

In the early days, white artists often sang “coon songs” in the voice of blacks, lampooning their lives in a sort of acoustic blackface. Arthur Collins, a white man, produced records ranging from “The Preacher and the Bear”—sung in the voice of a terrified black man chased up a tree by a bear—to “Down in Monkeyville.” When black artists eventually made it into the studio, the labels marketed their songs in a segregated series of “race records” (or, as the early label executive Ralph Peer called it, “the [n-word] stuff”). Even in jazz, an art form heavily innovated by black musicians, some of the first recorded artists were white, such as Paul Whiteman and his orchestra.

Financial arrangements were not much better. Black artists were given a flat fee and no share in sales royalties—the label owned the song and the recording outright. The only exceptions were a small handful of breakout artists like Bessie Smith, who made about $20,000 off her work, though this was probably only about 25 percent of what the copyright was worth. One single of hers—“Downhearted Blues”—sold 780,000 copies in 1923, producing $156,000 for Columbia Records.

When “hillybilly” music took off, the poor white Southern musicians who created that genre fared slightly better, but not much. Indeed, Ralph Peer suspected that they were so thrilled to be recorded that he probably could pay them zero. He kept artists in the dark about how much money the labels were bringing in. “You don’t want to figure out how much these people might earn and then give it to them because then they would have no incentive to keep working,” he said. When radio came along, it made the financial situation even worse: By law, radio was allowed to buy a record and play it on the air without paying the label or artist a penny the only ones who got royalties were composers and publishers. It would take decades of fights to establish copyright rules that required radio to pay up.

Last fall, Spotify listeners logged on to discover all of Taylor Swift’s music was gone. She’d pulled it all out. لماذا ا؟ Because, as she argued in a وول ستريت جورنال article, streaming services pay artists too little: less than a penny per play. “Music is art, and art is important and rare,” she said. “Valuable things should be paid for.” Then in the spring, she hit back at Apple, which launched its own streaming service by offering customers three free months—during which time artists wouldn’t be paid at all. In an open letter to Apple online, Swift lacerated Apple, and the company backed down.

Technology, it seems, is once again rattling and upending the music industry. Not all artists are as opposed as Swift is to the transformation. Some point out an upside: Maybe you can’t make much by selling digital tracks, but you can quickly amass a global audience—very hard to do in the 20th century—and tour everywhere. Indeed, digital music is, ironically, bringing back the primacy of live shows: The live-music touring market in the U.S. grew an average of 4.7 percent per year for the last five years, and it brings in $25 billion per year in revenue, according to IBISWorld.

It’s also changing the way we listen. Nick Hornby may worry that young people aren’t committed to their music because it costs them less, but Aram Sinnreich, a professor of communications at American University, thinks they’ve simply become more catholic in their interests. Because it’s so easy to sample widely, they no longer identify as a fan of a single genre.

“In the age of the iPod, and the age of Pandora, and the age of Spotify, we’ve seen the average college student go from being a hard-core ‘rock fan’ or a hard-core ‘hip-hop fan’ to being a connoisseur of a lot of different genres, and a casual fan of dozens more,” he says. “It’s very rare to come across someone of college age or younger who’s only invested in one or two styles of music,” and they’re less likely to judge people on their musical taste.

One thing is true: While the recording medium may constantly change, one thing won’t—our love of listening to it. It’s been a constant since Edison first produced his scratchy recordings on tinfoil. Even he seems to have intuited the power of that invention. Edison was once asked, of your thousand-fold patents, which is your favorite invention? “I like the phonograph best,” he replied.


شاهد الفيديو: محيي الدين بعيون - تقاسيم للطنبور على مقام الصبا ـ حوالي 1910 (كانون الثاني 2022).